Sin dalla sua nascita il teatro, ha sempre avuto a che fare con il racconto di storie emozionanti ed educative. Il cantastorie al centro della piazza o dall’alto del suo carretto, radunava intorno sè piccole folle che incantava con la sua arte oratoria.

Il teatro quindi è per vocazione il mezzo più potente di comunicazione interpersonale perché lavora sul principio del “qui ed ora”. In teatro se un attore sbaglia durante lo spettacolo, non è possibile ripetere una scena e se accade un imprevisto, l’attore deve assolutamente risolvere il problema senza che il pubblico se ne accorga. Questo è possibile perché sul palcoscenico regnano delle regole che vanno assolutamente seguite.

LE REGOLE DEL PALCOSCENICO

Proviamo a sintetizzarne alcune:

1. Concentrazione – non distrarsi mai ed avere sempre l’occhio vigile e attento su quello che sta accadendo in quel momento a noi e ai nostri compagni di scena è fondamentale per gestire e risolvere qualsiasi imprevisto
2. Uso del corpo e della gestualita’ – il nostro corpo è il primo motore della comunicazione. Molto più potente delle parole. Un buon attore quindi deve saper dosare bene la sua gestualità per renderla precisa e attenta, aumentando così la capacità espressiva delle sue battute e l’attenzione dello spettatore su di lui
3. Obiettivo – ogni scena, ogni battuta, ogni singolo momento di uno spettacolo fanno capo ad un obiettivo preciso per l’attore. Per vivere le scene ogni sera, come se fosse la prima volta, l’attore deve procedere per obiettivi, scena dopo scena, solo così potrà ogni sera recitare in modo diverso.
4. Dizione e intenzione – le parole sono proiettili e vanno usate con precisione. L’attore deve puntare ad una chiara esposizione delle battute e rispettare le precise intenzioni che sottintendono al testo per fare in modo che lo spettatore non si distragga mai e segui attentamente lo svolgersi della storia
5. Ascolto – è la parte più difficile da gestire. Siamo sempre molto concentrati su quello che dobbiamo dire ma non capiamo che è dall’ascolto dell’altro che nascono le nostre risposte. Se non ascoltiamo non possiamo rispondere e il ritmo dei nostri dialoghi diventerà vuoto e privo di interesse per chi ci ascolta
6. Memoria – Attenzione! Non solo memoria delle battute ma anche e soprattutto memoria emotiva del percorso emozionale che ogni sera il personaggio e quindi l’attore compie all’interno dello spettacolo.

ESSERE TIMIDI IN TEATRO E’ UNA FORTUNA

E’ per tutti questi motivi che si pensa che le persone più portate per questo mestiere sono le più espansive del gruppo o i famigerati raccontatori di barzellette! Niente di più sbagliato. Mettersi al centro della scena non sempre coincide con una propensione all’egocentrismo. Anzi! Molto spesso persone timide e chiuse nella vita, riescono a trovare nel palcoscenico la dimensione parallela di un mondo dove timidezza, insicurezza e scarsa stima di sé sono cancellate. I risultati sono sorprendenti!

Questo è possibile perché in teatro abbiamo l’opportunità di interpretare ruoli diversi da quello che siamo nella vita quotidiana ma che comunque ci appartengono e abbiamo chiusi dentro di noi. Basta conoscere gli strumenti giusti per tirare fuori quella parte di noi che in pochi conoscono (a volte neanche noi stessi) e affidarsi ad una buona guida che con professionalità ci conduca lungo un percorso di scoperta delle nostre potenzialità espressive e comunicative e, udite udite anche della nostra capacità di essere persuasivi e coinvolgenti.

FREQUENTARE UN CORSO ONLINE: ATTENZIONE ALLA SCELTA!

Molte sono al giorno d’oggi le persone che si affidano al teatro per aumentare le proprie capacità comunicative. Manager, insegnanti, studenti che cercano nel teatro la possibilità di ottenere risultati più brillanti delle loro performance lavorative o di studio. Pensate ad un uomo d’affari che deve presentare un nuovo progetto in una sala conferenza affollata o ad un insegnante che in classe deve leggere le pagine di un romanzo e ancora allo studente alle prese con la discussione della sua tesi di laurea davanti alla commissione. Tutte situazioni che coinvolgono gli strumenti che sono alla base del mestiere dell’attore e che in qualche modo ho sintetizzato nei paragrafi precedenti.

Nella giungla dei corsi e laboratori teatrali presenti oggi sul mercato, una delle difficoltà è scegliere un percorso condotto da professionisti della scena che in maniera seria e preparata possano seguirci nel nostro percorso di scoperta.

Il consiglio è di leggere attentamente i curricula dei docenti e capire che tipo di formazione ed esperienze hanno avuto. In realtà sono pochi quelli che vantano una seria formazione teatrale alle spalle e soprattutto che si sono diplomati in scuole nazionali riconosciute. Leggendo poi i programmi dei corsi e informandosi sulle diverse materie trattate ci possiamo fare un’idea più chiara se è il percorso che fa per noi.
Attualmente importanti realtà di professionisti hanno avviato anche una grande offerta di corsi online che soddisfano le esigenze di chi decide di frequentare un corso non per diventare un attore o un’attrice nella vita ma per migliorare il suo rendimento espressivo e comunicativo.

I corsi proposti dal CLAP – corsi e laboratori arti performative rientrano nella categoria di percorsi condotti da professionisti di alto livello con esperienza pluriennale nel campo della scena teatrale e della formazione. All’interno della loro offerta formativa sia online che in presenza, potete trovare percorsi che soddisfano le esigenze più diverse legate al parlare in pubblico e soprattutto che possono essere personalizzati in base alle necessità di ogni singolo allievo. I corsi online si svolgono sempre in modalità live e si è quindi sempre seguiti da un maestro ed è inoltre possibile per ogni singolo corso scegliere la possibilità di farlo in modalità individuale o di gruppo.

Insomma il Teatro è una grande possibilità e difficilmente se ne rimane delusi perchè è un fenomeno universale che esiste in ogni società, in tutto il mondo. Se quindi il teatro fa parte della cultura di genti diverse, di paesi diversi, allora la comprensione di quest’arte ci aiuta a capire che cosa significa essere umani.

E’ vero, sono tempi difficili per tutto il settore dell’arte e dell’intrattenimento in generale. L’incertezza del domani rischia di far crollare prima di tutto la tenacia dei lavoratori dello spettacolo che va detto sono tra i piu allenati in tema di emergenze.

Per noi di Latitudine Teatro il 2019 era stato un anno complicato che aveva visto la chiusura della sede storica e la faticosa riapertura di un nuovo spazio. Altre sinergie si sono riunite intorno al progetto CLAP – Corsi e Laboratori Arti Performative, grazie all’ingresso di nuovi compagni di lavoro e soprattutto una collaborazione stretta e affiatata con il Teatro Fellini di Pontinia. Poi di nuovo un meteorite.

Ce la faremo. Abbiamo sviluppato una resilienza che ci porta a credere nel nostro progetto culturale e a renderlo concreto passo dopo passo. Ma non cediamo al silenzio dell’attesa. Se non possiamo raccontarci attraverso il teatro, possiamo però continuare a parlare della nostra passione.

Proprio per questo abbiamo deciso di dare vita ad un progetto online che mantenga vivo il rapporto con la nostra comunità: allievi, spettatori, amici, nemici. Non volevamo interrompere il viaggio iniziato a Settembre. LIVING ROOM sarà il contenitore di tante iniziative che rispetteranno le distanze di sicurezza ma in cui sarà possibile continuare il nostro viaggio attraverso la musica, il teatro, le immagini di quel mondo che ci appartiene e che presto ritroveremo.

 In ottemperanza al DPCM del 4/03/2020 e in riferimento all’articolo 2 comma 1.e, le associazioni Latitudine Teatro, Voice Academy e La Bottega degli Errori (CLAP -Corsi e laboratori arti performative) COMUNICANO che:

✔️ LE LEZIONI COLLETTIVE
(teatro, coro gospel, laboratorio musicale, solfeggio, incontri di formazione del pubblico, seminari) *sono sospese* fino alla durata del decreto (15/03/2020). Queste lezioni verranno tutte recuperate.

Settembre 2019. Un nuovo inizio. La questione dello spazio di via Cisterna 3, si chiude in maniera definitiva. Lasciamo lo spazio e lentamente nei mesi da Maggio a Settembre ne costruiamo uno nuovo. Ma non siamo soli. In questa nuova scommessa si unisce anche La Bottega degli Errori di Clemente Pernarella e Melania Maccaferri e il Teatro Fellini di Pontinia

Da sempre le nostre strade hanno viaggiato in linea parallela. Entrambi crediamo molto nella formazione come mezzo per separare la distanza dal palcoscenico che ogni artista insegue. E allora che CLAP sia! Il senso del nome scelto è da rintracciare nella onomatopea che racchiude il suono convenzionale degli applausi. Il punto finale, il tributo alla fatica spesa che ogni artista del palcoscenico attende e insegue. Proprio nella distanza che separa il sogno dalla realizzazione di coloro i quali aspirino a questo traguardo si ritrova lo spazio della formazione.

L’idea di inquadrare le discipline performative all’interno di un ambito che richieda una particolare attenzione allo studio è forse quella che maggiormente accomuna noi di Latitudine Teatro, con Voice Academy e La Bottega degli Errori che hanno dato vita a questo nuovo progetto. L’obiettivo comune è infatti quello di fornire, attraverso l’unione delle professionalità e delle competenze, una realtà fino ad oggi assente nella nostra Provincia. Parliamo di un passo importante e significativo, oltre che per il risultato e gli obiettivi che ci proponiamo anche per la modalità attraverso la quale si realizza l’iniziativa: unione e condivisone di intenti.

Novità di rilievo è il collegamento del CLAP con la struttura e le attività del Teatro Fellini di Pontinia, di cui Clemente Pernarella è direttore. Il rapporto tra i due spazi e il raccordo con le attività guarda da un lato alla solidità dell’esperienza formativa, unica scuola in Provincia a disporre di un palcoscenico, dall’altro al progetto che tende, oltre che alla formazione, allo sviluppo delle attività di produzione ed al consolidamento della proposta di spettacoli ed eventi musicali.

Succedeva il 12 ottobre 2018. Sul nostro profilo FB abbiamo scritto quello che è accaduto:

“Siamo profondamente dispiaciuti di trovarci a scrivere questo messaggio ma è doveroso per spiegare cosa si sta verificando presso la nostra sede, la nostra casa. In data odierna, con un decreto di sequestro preventivo ad opera del GIP, sono stati posti i sigilli alla nostra struttura. Il motivo è quello della mancata regolarizzazione dei lavori per la messa in sicurezza dei locali in materia di antincendio. Alcuni mesi fa abbiamo tempestivamente e regolarmente iniziato tutte le procedure necessarie alla messa in regola degli spazi richiesta. Ma puntualmente sono stati fatti scadere i termini entro cui avrebbero dovuto risponderci per darci “l’ok” all’inizio dei lavori. Motivo per cui non abbiamo potuto procedere alla messa in atto del progetto di regolarizzazione. Non è quindi per nostra volontà o inadempienza che questa regolarizzazione non è ancora avvenuta. Aggiungiamo che in realtà avevamo comunque iniziato dei lavori di adeguamento a dimostrazione della nostra assoluta volontà di regolarizzare le cose e anche celermente. 

Ci teniamo a specificare che i nostri locali NON HANNO problemi a livello strutturale. 

Cercheremo di risolvere tutto nei prossimi giorni con i nostri avvocati e ci auguriamo che presto riusciremo a riaprire i locali… magari arriverà anche la risposta dei Vigili del Fuoco e noi finalmente potremo finire i lavori. Ci scusiamo con tutti i soci per questa sospensione temporanea dell’attività. Stiamo cercando di capire come riorganizzarci magari utilizzando altri spazi per cercare di continuare a portare avanti l’attività di entrambe le associazioni. Inutile dire che questo evento ci ferisce in maniera profonda e speriamo che il lavoro serio e onesto svolto in tutti questi anni non venga intaccato da un evento così spiacevole e ingiusto.”

In occasione dell’anteprima internazionale di Michelangelo di Tomaz Pandur, che apriva il Mittelfest 2013 ad Udine sono andata a farmi una chiacchierata con Stefano Furlan che ha assistito al debutto. Questo è il resoconto della nostra chiacchierata. 

P: Ciao Stefano!
S: Ciao!

P: Impressioni… a freddo? (E’ passato qualche giorno da quando hai visto Michelangelo)
S: Ma quale freddo? Io ci sto pensando ancora da quando sono uscito dal teatro… (occhi sognanti)

P: Cosa ti è rimasto dello spettacolo?
S: Da quando ho visto il lavoro di Pandur ho una frase che mi rimbomba in testa: “Volare bassi..”

P: Una lezione di umiltà?
S: Sì. Perché di maestri ne sono rimasti pochi in giro, e quando si ha l’occasione di vederne uno, è il caso di prestare molta attenzione. E imparare. L’incontro con un artista del genere ti fa aprire gli occhi, ti rende più curioso verso l’esterno e ti dà lo stimolo per cercare i grandi talenti, anche al di fuori del tuo paese.

P: Cosa ti ha impressionato di più della messa in scena del Michelangelo di Pandur?
S: La cura e il dettaglio maniacale nella costruzione dell’immagine, che è un suo tratto distintivo. Dalla scelta delle luci, a quella sui costumi, al lavoro fisico dell’attore… ogni movimento, ogni espressione, fanno parte di un disegno molto più grande e sapiente. E lui riesce a far scorgere tutto questo progetto in ogni parte della messa in scena. Un’altra caratteristica del suo lavoro è quella di scardinare fortemente il testo, che viene asciugato all’osso. E’ uno dei motivi per cui viene più criticato in assoluto, ma a me piace molto come operazione drammaturgica. E il suo lavoro sull’interpretazione del testo porta in sé la grande eredità dell’Est Europa: l’attore viene concepito come un performer, utilizzando tutto il valore espressivo del corpo, oltre che della parola. Tutti questi elementi donano allo spettacolo una forza impressionante.

P: Qual è stato il feedback italiano a questo spettacolo?
S: Ehm ehm… (si schiarisce la voce)… Pandur fa il tutto esaurito ovunque vada, nel suo paese. Il teatro di Udine in cui si è svolta questa anteprima internazionale non era pieno affatto, e la maggior parte delle persone in sala erano slovene. Questo fatto mi ha messo un’enorme tristezza. Ho letto poi la rassegna stampa sul sito del Mittelfest, e l’unica recensione che sento di condividere è quello di Brandolin, che la pensa esattamente come me: lo spettacolo è un capolavoro, ma noi teatranti italiani siamo così chiusi da snobbare qualunque tipo di operazione che non rientri nella nostra concezione di fare teatro. Le altre recensioni hanno minimizzato o criticato il lavoro di Pandur, affermando di non aver visto niente di nuovo, o criticandolo per aver utilizzato Michelangelo come il solito stereotipo di artista maledetto, accostandolo ad altre stigmatizzazioni sull’Italia come la pizza e il mandolino. Non sono affatto d’accordo.

P: Secondo te perché Pandur ha scelto di mettere in scena questo Michelangelo?
S: Credo perché riflette molto sul ruolo dell’artista. O meglio, sulla necessità del ruolo dell’artista. Quando, alla fine dello spettacolo, l’attore che ho visto dannarsi e sbattersi e fare delle cose meravigliose ha chiesto: “l’artista oggi è colui che tira i calci ad un pallone?“, ho sentito come un pugno allo stomaco. Non puoi far a meno di rifletterci, vedendo quest’opera. “Arte” e “Artista” oggi sono concetti che vengono applicati a troppi casi, con l’effetto di impoverire drammaticamente il loro significato e provocare una certa confusione nel pubblico. Questo ha contribuito all’appiattimento della curiosità di ciò che c’è al di là dei propri confini, sia intellettuali che spaziali. Ci abituiamo ad una certa offerta espressiva e non chiediamo altro. Paradossalmente, oggi abbiamo maggiori possibilità di conoscere, ma minor voglia di farlo. Confondiamo l’arte con qualunque cosa, con scarso senso critico. Se il regista/artista non ha un suo mondo da raccontare, il suo lavoro non mi dovrebbe interessare.

P: Come finisce il Michelangelo?
S: L’attore che recita la parte di Michelangelo viene lasciato solo, addirittura la scenografia si ritrae. Si rimette il saio di cui si era svestito all’inizio, le due strutture che facevano da impalcatura/gabbia vengono spostate a mano dagli altri attori, chiudendosi dietro di lui, lasciandolo fuori dalla scena, un po’ come se l’opera che ha realizzato non fosse più sua. Michelangelo quindi non può più tornare all’interno dell’universo che ha abitato e che ha contribuito a costruire con la sua opera, ed è lì che fa l’ultimo monologo ponendo domande sul ruolo dell’artista.

P: So che hai avuto modo di conoscere e parlare con Tomaz Pandur a fine spettacolo. Cosa vi siete detti?
S: Beh, è stata una chiacchierata molto informale, è stato gentile e amichevole. Mi ha detto che gli piacerebbe molto riuscire a presentare il Michelangelo a Roma.

P: Beh… speriamo di vederlo a Roma comunque.
S.: Si, incrociamo le dita!

di Paola Palombi

Che personaggi particolari, i registi. Creano mondi a partire dalla loro immaginazione utilizzando strumenti umani e materiali, li plasmano secondo le loro idee godendosi allo stesso tempo l’atto della creazione – fatta per metà di previsto e per metà d’imprevisto. Continuano a lavorarci finché non ne sono soddisfatti e poi spariscono dietro a quel che hanno generato.

Ecco, io mi sono sempre chiesta come lavorasse Stefano Furlan. Dal 2005 assisto a quasi tutte le sue produzioni teatrali, e rimango sempre impressionata dal suo lavoro sugli attori e sulla messa in scena. Spettacoli fatti di carisma, ritmo, fisicità, doveil racconto parte dal corpo, la presenza scenica, l’energia sprigionata sul palco dall’umanità dei suoi attori e la parola, che viene solo alla fine di tutto questo. Ecco perché mi piace definire il suo teatro un teatro di presenza, dove neanche lo spettatore può permettersi di assentarsi. Un teatro di contatto, dove spesso gli attori si rivolgono a te trasformandoti in un personaggio, oppure ti vengono a prendere e ti portano con loro a partecipare al gioco scenico.

Chiesi quindi a Stefano di farci una chiacchierata per Oorlandoo. Era la mia prima intervista, volevo parlare con un artista di cui conoscessi bene il lavoro. Genova 01 mi sembrava un ottimo punto di partenza per parlare del suo teatro. Uno spettacolo dalla tematica difficile e controversa, ma soprattutto, per l’Italia, di memoria ancora fresca. Gli avvenimenti del G8 di Genova, con i loro strascichi e le ferite ancora aperte, vengono raccontati sul palco sulla base del testo di Fausto Paravidino e parzialmente riarrangiati da Stefano per la realtà di Latitudine Teatro, sua compagnia e scuola teatrale. Lo mettono in scena dal 2005, e ogni spettacolo ha sempre un impatto molto forte. Io l’ho visto due volte, e in entrambi i casi sono uscita dalla sala con lo stomaco capovolto e con il cervello che frullava veloce una marea di interrogativi senza troppe risposte. Neanche a farlo apposta, negli stessi giorni, usciva al cinema il film Diaz di Daniele Vicari. Ero piena di stimoli quindi, e di domande.

Sono arrivata alla sede di Latitudine orgogliosamente armata di una piccola fotocamera compatta Canon e un cavalletto. Per me che sono di mestiere una videomaker, azzardare un’intervista con un’attrezzatura ultraleggera è stato veramente liberatorio. Niente luci, niente microfoni, niente controllo. Accendo la macchinetta e raggiungo Stefano già accomodato sul divano, scivolo sul tappeto ikea (per la terza volta da quand’ero arrivata) e scoppiamo in una risata. Così dovrebbe sempre iniziare una chiacchierata.

Poi ci siamo fatti un po’ prendere la mano. Dopo mezz’ora la memory card si è riempita e si è interrotta la registrazione. Sono tornata il giorno dopo e, in un’altra sala, abbiamo terminato l’intervista. Quello che vedete è il risultato di una lunghissima scrematura di cui abbiamo scelto le parti che ci hanno colpito di più.

Buona Visione.

Quattro pièces teatrali di grande intensità raccolte in un unico cofanetto: Storie Necessarie. Gli spettacoli erano ospiti della rassegna di teatro civile organizzata con il sostegno del Comune di Roma. Quattro spettacoli profondi con un cast artistico di alto livello. Storie di impegno civile che non possono e non devono passare inosservate e che ci invitano ad un’attenta riflessione su grandi temi sociali.
VENTICINQUEMILA GRANELLI DI SABBIA – di e con Alessandro Langiu. La vicenda si svolge a Taranto dove c’è il Centro Siderurgico Italsider, fino agli anni ottanta il più grande al mondo, vicino a cui hanno costruito case, quartieri interi. Lo spettacolo è ambientato negli anni Settanta, anni nei quali sono stati edificati i rioni accanto all’Italsider, oggi ILVA. Un monologo in cui si racconta la storia di tre ragazzi che crescono nelle palazzine, le palazzine Italia, del loro giocare e sfuggire alla polvere rossa che tutt’ora si sparge nell’aria e ricopre case e strade. Le vicende sono narrate con occhi di bambino che osservano. A scandire il tempo è il lento svuotarsi delle palazzine Italia e l’avanzare della polvere che porta all’esasperazione le donne che stendono i panni.